巴洛克时期的艺术风格具有较强的装饰性，体现在音乐上则是复调手法成为主流。除了多声部交织带来的听觉上的“分裂感”，丰富多变的装饰音也是其重要特征之一。巴赫作为这方面的代表，达到了顶峰。
物极必反，巴洛克音乐已现顶峰，音乐界的主流审美势必发生重大变化。年到年，西方音乐迎来了新的风格时期，这段不到年的时间被称为西方音乐的“古典主义时期”。古典主义时期音乐最昌盛的地方是被称为“世界音乐之都”的奥地利首都维也纳，最重要的作曲家有海顿、莫扎特、贝多芬，他们虽然不都是奥地利人，但都在维也纳发展。
对于古典主义时期的音乐家来说，他们的音乐其实是新潮、现代的，并非古典，至少不“古”。“古典”是个相对概念，其英文是"classical",译成“经典”更为妥当。“经典”的特性是不论时代如何变，美就是美，在人类审美观中是永恒的。
我们现在讲到经典首推莫扎特、贝多芬，但在莫扎特、贝多芬活跃的时期，维也纳的著名作曲家远不止这二位，欧洲范围内的著名作曲家比这二人更有名的也不在少数。比如，在音乐圈占统治地位的宫廷乐长萨列里、意大利大提琴家及作曲家博凯里尼、“被遗忘的古典大师”施波尔，以及莫扎特的学生胡梅尔——这位天才钢琴家一生创作了超过部作品，风头一度盖过贝多芬，其作品演奏起来极具难度。此外，莫扎特的对手——意大利音乐家克莱门蒂，还有被贝多芬奉为“当世最伟大的作曲家”的凯鲁比尼（以歌剧创作为主）都曾红极一时，名满天下。但二百年下来，他们大部分人的作品几乎被人淡忘，上演的次数越来越少，最终被留在了历史里。
关于什么是永恒、经典，总结下来，有一些基本规律：相比过度繁复的东西，简约的东西更有可能成为经典；太极端的东西往往经不住考验，适度、中正的东西更有可能成为经典；在一个新领域，最具代表性和创新性的作品更有可能成为经典。
古典主义时期的音乐恰好符合以上所有规律。与巴洛克音乐尤其是巴赫的音乐相比，古典主义音乐远算不上复杂，其简约但并非空洞，是一种得体与适度。音乐形式上，古典主义时期的创新比比皆是：海顿是交响乐之父，格鲁克改革了歌剧，莫扎特发展了德国喜歌剧，当然还有贝多芬对整个古典主义音乐框架形成的推动。
古典主义音乐与巴洛克音乐的一个巨大差别就是前面提及的由复调音乐向主调音乐的转变，两种作曲手法有着本质不同。
先介绍四部和声，这是主调音乐最基本的声部组合形式，合唱中有四个不同的声部，全部音域由高到低分别是女高音、女低音、男高音以及男低音。这四个声部正好涵盖了从高到低的人声音域。值得注意的是，这四个声部虽然在中文翻译中有男女之别，但意大利语并未在性别上作具体指向，只不过高音天然适合女性，低音天然适合男性而已；在有童声合唱的情形下，男童声音很高，也可担任女高音声部的演唱。
合唱过程中，音高不同的四个声部形成合音，这个合音就是和声。
这种和声的听感极为美妙。在广义上，凡占据着四个不同音域的音乐都可组成四声部，可以是声乐，也可以是器乐。
不同种类的和声掌管着不同的音乐效果，给听众以不同情绪乃至丰富的色彩感。不同和声所需音的数量未必相同，最少只要两个音，便能组成不同的音响效果。三个音的和声效果较为丰满，能给人以稳定的听感。四音和声则会让听者有奇异感受，比如属七和弦所带来的“上升”以及悬在半空感便属此类。五个或以上音组成的和声也有不少，但在古典主义时期的音乐中使用得并不频繁。值得注意的是，钢琴经常有超过四个音同时发声的情况，但本质上这些音很多只是差一个八度，只为强调某个声部而已。原则上，合唱团里有高低不同四个声部，不仅能把音域从低到高全部覆盖，绝大部分和声也都能演唱。若真有五个音以上的和声，可于同一声部内再细分，例如女低音可分成两个声部演唱，这样的音乐才能满足基本要求：音域够宽，没有唱不出的音；声部数足够，并无表现不出来的常用和声。
有了四部和声后，就好像一个人四肢健全，行动自如。如果四部和声里少任一声部，则会有残缺感。当然，到了之后的浪漫主义时期，作曲家在新和声的创造方面颇有建树，四部和声只满足基本需求，超过四声部的和声，想象空间极其广阔。
值得一提的是，古典主义音乐的各式体裁中，弦乐四重奏被认为是格调极高、极难驾驭的一种：弦乐四重奏由两把小提琴、一把中提琴以及一把大提琴组成，只满足了四部和声创作最低限度的要求，不似交响乐团般拥有数十种乐器能做出多变音色，也不像乐团甚至不如钢琴那样在音量上有超大幅度的动态范围，在创作上少了几个维度的表现手段。弦乐四重奏没有奇技淫巧，更注重纯粹的音乐艺术内涵，不少顶级作曲家在弦乐四重奏面前望而却步。弦乐四重奏体裁的创作，成就最高的是贝多芬、舒伯特以及20世纪的饲牙利作曲家巴托克。
合唱团演唱时，其他声部容易被女高音带偏。因为女高音演唱的是人耳最敏感的最高音域，且女高音声部通常负责朗朗上口的主旋律，其他声部都容易受它影响，一不留神还会被带跑，这就要求其他声部时时
